Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur

Über 30 Jahre lang war Kamerun eine deutsche Kolonie und daran erinnern uns zahlreiche Sammlungsobjekte. Die Aufarbeitung ihrer Erwerbskontexte ist Gegenstand eines aktuellen Forschungsprojekts, dessen Ergebnisse vorgestellt werden. Wie sind die Objekte in die Sammlung gelangt? Wir gehen ihren Spuren nach und binden dabei Stimmen und Perspektiven der Herkunftsgesellschaften aus Kamerun ein. Die Ausstellung lädt dazu ein, sich mit der Verantwortung im Umgang mit dem kolonialen Erbe auseinanderzusetzen.

Wie kann ein Selbstporträt aussehen?
Muss eine Malerei rechteckig sein?
Können Zeichnungen schwer aussehen?
Ist der Tastsinn im Museum überhaupt gefragt?
Und ist ein Raum eigentlich wandelbar?

Malerei, Zeichnung, Skulptur, Installation — in der Modernen und Zeitgenössischen Kunst gibt es (nahezu) keine Grenzen, wie Künstlerinnen und Künstler ihre Gedanken oder Vorhaben umsetzen. Aber was bedeutet das eigentlich für uns als Betrachterinnen und Betrachter?

Mit der Neupräsentation der Sammlung Moderne und Zeitgenössische Kunst nehmen wir nicht nur Werke aus unseren Depots in den Blick, sondern öffnen auch Denkwege. Wir stellen Museumshighlights in neue Beziehungen und entdecken dabei längst vergessene Werke, die ihre Geschichten wieder erzählen wollen oder zu neuen Dialogen anregen.

Klassische Gemälde haben einen Vorder- und einen Hintergrund. Eine Tapete auf der Wand ist also der Hintergrund für das, was sich im Raum abspielt? Oder ist die Tapete bereits das Ereignis und der Hintergrund die Architektur in der sie sich befindet? Bastian Muhr stellt uns diese Fragen. Aber viel mehr als das. Indem er ausgesuchte Werke, also klassische Bilder auf den Tapeten platziert, bringt er neue Ebenen ins Spiel. Wörtlich, also räumlich, aber auch im inhaltlichen Sinne, in dem er Bezüge zwischen den „Bildern“ schafft.

Die Tapeten selbst erstellt er mittels einer „Tapetenmaschine“, einem Algorithmus, der den Verlauf des Musters bestimmt, entweder linear oder per Zufall, indem festgelegte Elemente willkürlich aneinandergesetzt werden. Ähnlich wie in Muhrs Bleistiftzeichnungen, deren Struktur durch Auswürfeln (ganz analog per Hand) fortgeschrieben wird, kommt eine Komponente ins Spiel, die System und Zufall in Dialog treten lässt.

Im Eingriff in den Raum, in die Architektur, die dieser uns bietet, testet Bastian Muhr unsere Wahrnehmung. Wie schon bei Zickzack, seiner Bodenarbeit im Projektraum 2016 (https://museum-wiesbaden.de/bastian-muhr), bildet auch hier eine lineare Struktur eine Art Netz, das sich zwischen Wand und Raumkontinuum schiebt.

Georg Lührig (1868—1957) zählt zu jenen Künstlern, die um die Jahrhundertwende Dresdens Kunstszene bestimmten, indem sie die Strömungen des Jugendstils und des Symbolismus in eine ihnen eigene geheimnisvolle und faszinierende Bildsprache fassten. Lührigs Gesamtwerk zeichnet sich durch große gestalterische wie inhaltliche Vielseitigkeit aus. Er experimentierte mit unterschiedlichen Arbeitsmaterialien und Techniken, darunter Kohle, Bleistift, Aquarellfarbe sowie Lithografie.

Der vorliegende reich bebilderte Bestandskatalog dokumentiert das Werk eines Künstlers, den es heute wieder zu entdecken gilt — kleine Studienblätter, großformatige Ölgemälde und monumentale Fresken, die im Rahmen von Auftragsarbeiten für öffentliche Gebäude entstanden, Stillleben, Landschaften und Tierdarstellungen sowie Porträtarbeiten. Nicht zuletzt gilt es auch die Werke wieder zu entdecken, die Lührig als Kriegsmaler im Ersten Weltkrieg schuf, eingesetzt in Frankreich/Champagne und Syrien/Aleppo.

Das Museum geht auf die Straße und holt die Straße ins Museum.
Das Museum Wiesbaden initiiert ein neues Ausstellungsformat, das gestalterische Positionen von internationalen Typografinnen in den Fokus nimmt.

Flagge zeigen für Demokratie — Über einen »Call for Flags« werden 20 international renommierte Designerinnen eingeladen mit typografisch gestalteten Flaggen die Wiesbadener Flaniermeile „Rue“ zu bespielen. Das Museum wiederum präsentiert im Oktogon die konzeptuellen Überlegungen und individuellen gestalterischen Positionen der Typografinnen und Type Designerinnen. Vertieft werden dabei besonders Fragen nach persönlicher und gestalterischer Identität, Geschlecht und Herkunft. Damit soll die historisch starke Unterrepräsentanz von Frauen in diesem traditionell intellektuell so bedeutenden Gestaltungsbereich kritisiert werden, denn: Schrift verbreitet Wissen und übt so entscheidenden Einfluss auf demokratische Meinungsbildung aus.

Die Ausstellung findet im Rahmen des »World Design Capital Frankfurt RheinMain« (WDC) statt, das 2026 zum Thema. »Design for Democracy. Atmospheres for a better Life« im RheinMain-Gebiet veranstaltet wird.

Ausstellungsorte
„Hall of Femmes“ im Museum Wiesbaden
Im Oktogon des Museums Wiesbaden wird eine „Hall of Femmes“ inszeniert, die relevante Hintergrundinformationen und Gestaltungsbeispiele zu zwanzig international renommierten Type-Designerinnen und Typografinnen aus den USA, Südamerika, Europa, Asien, Afrika und Neuseeland zeigt. Gezeigt werden Interviews (Film), ausgewählte Arbeitsbeispiele sowie gestalterisch-konzeptionelle Details zu den in der Ausstellung „Call for Flags“ vertretenen Designerinnen. Dieser inhaltlich reflektierende Teil der Museumsausstellung lebt von einer multimedialen Inszenierung mit Bild, Film, Sound, Interaktion und den Fahnen des „Call for Flags“.

Fahnenparcours auf der Wilhelmstraße
Auf der Wiesbadener Flaniermeile „Rue“ zwischen dem Museum Wiesbaden und dem Kurhaus entsteht im Sommer 2026 ein markanter Fahnenparcours. Mit ihren historischen Gebäuden, Museen und Kunstgalerien wird die Wilhelmstraße zum öffentlichen Ausstellungsraum für die Arbeiten aus dem „Call for Flags“. Das Projekt erprobt ein neues Format der Ausstellung im Stadtraum: Ausgehend von der Tradition des Plakats als „Kunst der Straße“ thematisiert der Fahnenparcours die Übergänge zwischen freier und angewandter Kunst sowie zwischen Design, Kommerz und Öffentlichkeit.

Women & Type – Mainz
20.–31. Juli 2026 | LUX, Pavillon der Hochschule Mainz
Parallel zum Wiesbadener „Call for Flags“ zeigt der LUX-Pavillon der Hochschule Mainz zwanzig typografische Flaggen junger Gestalterinnen aus dem Studiengang Kommunikationsdesign. In aktivistischen Entwürfen setzen sie sich mit feministischen Positionen in der Typografie auseinander. Die Ausstellung erweitert Women & Type um eine junge Perspektive und eröffnet Einblicke in die aktuelle Type-Design-Szene am Hochschulstandort Mainz. Das Studienprojekt wird betreut von Prof. Dr. Petra Eisele und Prof. Dr. Isabel Naegele Institut Designlabor Gutenberg.

„Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen — ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)“
Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

Der „Blaue Reiter“ ist ein Kreis von unterschiedlichsten Persönlichkeiten, die im Bereich der ästhetischen Theorie, Malerei, Grafik, Literatur und Musik Visionäres geleistet haben. Mit seinen beiden in den Jahren 1911 und 1912 organisierten Ausstellungen und dem 1912 herausgegebenen Almanach steht er für eine Subjektivierung in der Kunst, die Befreiung der Farbe vom Gegenstand und die Idee einer Gleichwertigkeit von künstlerischen Ausdruckformen unterschiedlicher Epochen, Gattungen und Regionen. Damit ist er Teil der internationalen Avantgardebewegungen vor dem Ersten Weltkrieg.

Nahezu völlig unerforscht blieb bis heute, welchen großen Anteil die einzelnen Künstlerinnen im Umfeld des „Blauen Reiter“ an der Entwicklung der Moderne hatten, welche Strategien und Netzwerke sich diese zurechtlegten, um trotz des damals herrschenden, ihnen völlig widrigen gesellschaftlichen Normengefüges ein Leben als selbstständige Künstlerin führen zu können, und wer waren all die mitunter völlig vergessenen, in ihren Lebensläufen kaum mehr zu rekonstruierenden Künstlerinnen überhaupt, das sind die Themen der Ausstellung Die Blauen „Reiterreiterinnen“. Und hier sind sie:

Erma Bossi — Sonia Delaunay-Terk — Emmi Dresler — Elisabeth Epstein — Elisabeth Erdmann-Macke — Natalia Gontscharowa — Else Lasker-Schüler — Maria Franck-Marc — Olga Meerson — Gabriele Münter — Carla Pohle — Marianne von Werefkin

Eine Ausstellung des Museum Wiesbaden in Kooperation mit dem Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

2027 jährt sich zum 70. Mal die wegweisende Ausstellung „Lebendige Farbe — Couleur vivante“, zu der in Wiesbaden das Who-is-who der neuen gestisch-abstrakten Malerei versammelt wurde. Zugleich war diese Schau ein Brückenschlag der jungen deutsch-französischen Freundschaft. Freundschaft ist auch das Stichwort unserer Präsentation. Die Beziehung des Künstlerpaars Schultze-Bluhm zum Museum Wiesbaden, vor allem aber auch zu Clemens Weiler, dem innovativen Direktor der Nachkriegszeit soll im Zentrum unserer Kabinettausstellung stehen. Natürlich mittels der Werke der beiden Kunstschaffenden, aber auch über persönliche Grußkarten, Notizen und Anekdoten: Sammlungsgeschichte als Kunstgeschichte und ganz nebenbei eine Auswahl lange nicht gezeigter Schätze aus den Depots des Museums.

Die Ausstellung ist Teil einer Kooperation mit dem Museum Reinhard Ernst und dem Nassauischen Kunstverein.