Veranstaltungskalender

Wie kann ein Selbstporträt aussehen?
Muss eine Malerei rechteckig sein?
Können Zeichnungen schwer aussehen?
Ist der Tastsinn im Museum überhaupt gefragt?
Und ist ein Raum eigentlich wandelbar?

Malerei, Zeichnung, Skulptur, Installation — in der Modernen und Zeitgenössischen Kunst gibt es (nahezu) keine Grenzen, wie Künstlerinnen und Künstler ihre Gedanken oder Vorhaben umsetzen. Aber was bedeutet das eigentlich für uns als Betrachterinnen und Betrachter?

Mit der Neupräsentation der Sammlung Moderne und Zeitgenössische Kunst nehmen wir nicht nur Werke aus unseren Depots in den Blick, sondern öffnen auch Denkwege. Wir stellen Museumshighlights in neue Beziehungen und entdecken dabei längst vergessene Werke, die ihre Geschichten wieder erzählen wollen oder zu neuen Dialogen anregen.

Georg Lührig (1868—1957) zählt zu jenen Künstlern, die um die Jahrhundertwende Dresdens Kunstszene bestimmten, indem sie die Strömungen des Jugendstils und des Symbolismus in eine ihnen eigene geheimnisvolle und faszinierende Bildsprache fassten. Lührigs Gesamtwerk zeichnet sich durch große gestalterische wie inhaltliche Vielseitigkeit aus. Er experimentierte mit unterschiedlichen Arbeitsmaterialien und Techniken, darunter Kohle, Bleistift, Aquarellfarbe sowie Lithografie.

Der vorliegende reich bebilderte Bestandskatalog dokumentiert das Werk eines Künstlers, den es heute wieder zu entdecken gilt — kleine Studienblätter, großformatige Ölgemälde und monumentale Fresken, die im Rahmen von Auftragsarbeiten für öffentliche Gebäude entstanden, Stillleben, Landschaften und Tierdarstellungen sowie Porträtarbeiten. Nicht zuletzt gilt es auch die Werke wieder zu entdecken, die Lührig als Kriegsmaler im Ersten Weltkrieg schuf, eingesetzt in Frankreich/Champagne und Syrien/Aleppo.

Muches gemalte Stahlbaukonstruktionen sind Zeugnisse der Industrialisierung, ihrer unendlichen Möglichkeiten und zugleich der entbehrungsreichen Arbeit, die dafür aufgebracht werden musste. Auf den Staffagen werden diese Darstellungen harter Arbeit zu Visionen einer anderen, besseren Zukunft. Die zeitlichen Ebenen verschwimmen, der museale Geschichtsraum wird zum Raum der Gegenwart. Arbeit, Gerechtigkeit, Verteilung und Teilhabe verbinden sich in der gemalten Stahlarchitektur zu den gesellschaftlichen Fragen, mit denen Muche den Besucher konfrontiert. Die Intervention zeigt, wie Arbeiter ausgebeutet und der Begriff der Arbeit missbraucht werden können.

Wenn Muche Lenins grundlegende Schrift Ein Schritt vorwärts, zwei Schritte zurück von 1904 als Headline seiner Ausstellung zitiert, jedoch das »e« in »Schritte« bewusst streicht, weist er sehr subtil darauf hin, dass sich die Zeiten und unsere Einstellungen geändert haben.

2027 jährt sich zum 70. Mal die wegweisende Ausstellung „Lebendige Farbe — Couleur vivante“, zu der in Wiesbaden das Who-is-who der neuen gestisch-abstrakten Malerei versammelt wurde. Zugleich war diese Schau ein Brückenschlag der jungen deutsch-französischen Freundschaft. Freundschaft ist auch das Stichwort unserer Präsentation. Die Beziehung des Künstlerpaars Schultze-Bluhm zum Museum Wiesbaden, vor allem aber auch zu Clemens Weiler, dem innovativen Direktor der Nachkriegszeit soll im Zentrum unserer Kabinettausstellung stehen. Natürlich mittels der Werke der beiden Kunstschaffenden, aber auch über persönliche Grußkarten, Notizen und Anekdoten: Sammlungsgeschichte als Kunstgeschichte und ganz nebenbei eine Auswahl lange nicht gezeigter Schätze aus den Depots des Museums.

Die Ausstellung ist Teil einer Kooperation mit dem Museum Reinhard Ernst und dem Nassauischen Kunstverein.

Der achte Alexej von Jawlensky-Preis für ein Lebenswerk geht 2027 an die Malerin Suzan Frecon (geb. 1941). Die US-amerikanische Künstlerin hat sich durch ihre kontinuierliche Arbeit in einem männlich dominierten Kunstbetrieb über Jahrzehnte hinweg behauptet. Ihr Werk erforscht auf eindrucksvolle Weise das Zusammenspiel von Licht und Farbe, wobei die unterschiedlichen Oberflächenstrukturen von größter Subtilität sind. Die Konsequenz und Beharrlichkeit ihrer Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten und Grenzen des Malerischen — jenseits aller Moden — hat die Jury überzeugt. Mit der Reduktion ihrer Sprache erschafft sie intensive Werke von stiller Intimität. Mit der Auszeichnung wird ein künstlerisches Werk geehrt, das sich durch seine Integrität, Eigenständigkeit und Ruhe auszeichnet.
(aus der Begründung der Jury)

Die Ausstellung von Suzan Frecon konzentriert sich auf aktuelle Werke. Ihre großformatige Malerei füllt dabei sechs Säle der zentralen Gemäldegalerie des Museums Wiesbaden. Dosiert einströmendes Tageslicht wird die Werke in besonderer Weise zum Leuchten bringen, zugleich aber auch einen Wandel der Malerei im Laufe der Tage und Wochen sichtbar machen.

Der Alexej von Jawlensky-Preis
Zu Ehren des berühmtesten Künstlers der Stadt vergibt die Landeshauptstadt Wiesbaden gemeinsam mit der Spielbank und der Nassauischen Sparkasse den Alexej von Jawlensky-Preis für das Lebenswerk eines/r zeitgenössischen Künstler/in. Suzan Frecon ist die achte Preisträgerin nach Agnes Martin (1991), Robert Mangold (1998), Brice Marden (2004), Rebecca Horn (2007), Ellsworth Kelly (2012), Richard Serra (2017) und Frank Stella (2022).

Einblicke in das Forschungsarchiv Jawlensky — Ausblicke auf Kunst und Leben

Anlässlich der Übergabe des bislang in der Schweiz am Lago Maggiore befindlichen Jawlensky Archivs an das Museum Wiesbaden im Jahr 2025 wird die umfangreiche Jawlensky-Sammlung unter dem Titel „Alexej von Jawlensky — Privat“ neu inszeniert. Erstmals werden wichtige Teile des Archivs, das Korrespondenzen, Adressbücher, historische Fotografien bis hin zu selbst entworfenen Schmuckstücken oder den bunten Seidenfliegen, die der elegante Jawlensky stets trug, in die Präsentation eingebunden und öffentlich gemacht. Im Zentrum steht ein lebendiger „Archiv“-Raum, in dem anhand von Objekten aus dem „Haushalt Jawlensky“ die unterschiedlichen Lebensorte (Moskau, München, Ascona, Wiesbaden) der Familie Jawlensky entdeckt werden können.

Durch die attraktiven Memorabilia, die nah an die komplexe Lebenswirklichkeit des Künstlers heranführen, entsteht ein neuer Zugang zur emotionalen Farbmalerei des Blauen Reiter-Künstlers. Die berühmte „Dame mit Fächer“ wird mit dem chinesischen Fächer, den Jawlensky seiner geliebten Helene Nesnakomoff in München schenkte, in Beziehung gebracht oder die bekannten „Abstrakten Köpfe“ aus den 1920er-Jahren mit dem eleganten silbernen Art Deco-Schmuckanhänger „Zärtlichkeit“.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke befreundeter Künstlerinnen und Künstler seines Umfelds: Pierre-Paul Girieud, Ida Kerkovius, Wilhelm Lehmbruck, Maria Franck-Marc, Gabriele Münter, Ilja Repin, Emmy (Galka) Scheyer oder Marianne von Werefkin.

Indonesien umfasst tausende von tropischen Inseln, darunter einige der größten, wie Sumatra und Java. Hierhin gelangten auch Deutsche, die entdeckten, forschten, halfen, aber auch unterdrückten. Die große Jahresausstellung der Naturhistorischen Sammlungen erzählt davon und von einigen der vielen indonesischen Kulturen, wie den Batak am Toba-See, die bereits früh in Europa bekannt — und wie so oft verkannt wurden. Heute findet global ein gewaltiger Wandel der Kulturen und der einzigartigen Natur statt, der auch diese Tropenwelt erfasst hat. Davon und von vielem mehr berichten Menschen aus früherer und heutiger Zeit.